IDROBASE GROUP SPARIGLIA IL MERCATO CON LE "DOLLY PUMPS"

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È un “Simon Boccanegra”, quello in scena in questi giorni alla Fenice, in cui la musica la fa da padrona. E non perché l’allestimento (regia Luca Micheletti, scene Leila Fteita, dramaturg e aiuto regista Benedetto Sicca, costumi Anna Biagiotti, disegno luci Giuseppe Di Iorio) sia poco significante o mal riuscito. Ma perché, in questa occasione, grazie alla direzione e concertazione illuminate di Renato Palumbo, ad un’orchestra attenta e compatta in ogni sezione, ad un cast di alto livello soprattutto nella parte maschile, è data allo spettatore l’opportunità di ascoltare, valorizzata ed esaltata, tutta la musica scritta da Verdi; che è bella, bellissima, a tratti sublime, ricca di arcane suggestioni e di colori cangianti, ora vividi e ora foschi, di accensioni corrusche e di sfumature preziose, in tutto assecondando la parola scenica, scavandola sin nel profondo, mettendone in luce quel mistero di verità e di umanità che altrimenti rimarrebbe implicito, inespresso. Renato Palumbo, quindi, si impone come il vero protagonista della rappresentazione, in grado di sottolineare con un’eloquenza ed un’evidenza uniche, oltre che con un incisivo e commovente senso del dramma, ogni momento della partitura. Sul mio taccuino ho cominciato a segnare i suggestivi accompagnamenti del Prologo e poi i terrificanti accordi preparatori dell’aria di Fiesco “A te l’estremo addio”, ma poi ho rinunciato, perché avrei dovuto annotare ogni passaggio di questa superba interpretazione. Di alto livello, come già si accennava, il cast, a cominciare dal protagonista Luca Salsi, che, data per scontata la consueta sicurezza e saldezza vocale, sembra concedere solo un ottimo livello professionale alla prima parte dell’opera, ove risulta meno scavato e coinvolto di altre volte; ma poi regala, ovviamente grazie anche alla emozionante lettura di Palumbo, una scena del Consiglio indimenticabile per intensità e partecipazione, con la frase celebre “E vo gridando pace, e vo gridando amor” resa alternando con grande efficacia il forte al piano, per poi concludere con un “E tu ripeti il giuro” sussurrato minacciosamente agli orecchi di Paolo anziché scandito a piena voce come si usa abitualmente. Dal Terzo Atto, poi, Salsi si cala del tutto nel personaggio e nel dramma, con un’invocazione del mare da brividi e, in generale, con una partecipazione emotiva commovente sorretta da una resa vocale sempre all’altezza, nel fraseggio ricco di colori e di intenzioni, nel continuo variare delle dinamiche a fini espressivi, nella pienezza dell’acuto risonante, nella solidità di uno strumento privo di cedimenti. Per restare nell’ambito delle voci gravi, Alex Esposito, al debutto nel ruolo di Fiesco, non convince nella celebre aria di sortita “A te l’estremo addio”, ove si avverte la mancanza della risonanza, dell’ampiezza e della profondità di un’autentica voce di basso. Ma va riconosciuto che, nel prosieguo dell’opera ed in particolare nella sublime scena con il Doge nel Terzo Atto, l’artista sfoggia, oltre al consueto fraseggio sempre sensibile e vario, un bel timbro brunito e compatto e un volume vocale comunque sufficiente a riempire la sala della Fenice. Ne esce un Fiesco autorevole e convincente, meno ieratico di altri ma più umano, più sofferto, in cui pesa l’orgoglio personale più che quello di casta; un Fiesco ben cantato, dalla linea corretta e ben impostata, a cui giova probabilmente anche l’interpretazione registica, che chiede all’artista, le cui doti istrioniche sono ben note e sulle quali in altre circostanze si è fatto conto forse fino ad abusarne, un atteggiamento in scena più composto del solito e quindi più adatto alla corretta espressione del canto. In un ruolo che gli è particolarmente congeniale come quello di Gabriele Adorno Francesco Meli si conferma il prezioso artista di sempre, perfetto eroe romantico nell’abbandono amoroso, in cui l’artista fa valere un gioco dinamico e quindi una capacità di sfumare padroneggiati alla grande, ma anche nello slancio combattivo, ove gli acuti suonano pieni e luminosi. L’involo tenorile, poi, affascina, con la dizione impeccabile, quel modo di porgere elegante e vibrante insieme, e il tesoro di un timbro dorato di rara bellezza. La parte maschile del cast, predominante in un’opera cupamente politica come “Simon Boccanegra”, si completa con il Paolo Albiani di Simone Alberghini, sempre all’altezza ma che si vorrebbe in alcuni momenti più sottilmente malefico, con il Pietro coretto e puntuale di Alberto Comes e l’appropriato Capitano dei balestrieri di Safa Korkmaz. L’unica donna, a parte l’ancella di prammatica interpretata adeguatamente da Yeoreum Han, è Francesca Dotto, al debutto nel ruolo: una Maria aggraziata per la resa vocale e per il portamento in scena, delicata, gentile, alla quale si vorrebbe insufflare un po’ più di corpo e di sangue, un surplus di carattere e di assertività. La vocalità, infatti, per quanto corretta e gradevole, richiederebbe più polpa, più spessore, più volume, quindi una consistenza da soprano lirico schietto, in grado, quando la situazione lo richiede, di accendersi con veemenza e di liberare il personaggio dal cliché di una femminilità ripiegata e un po’ rinunciataria nella quale sembra costretto. Il Coro del Teatro, istruito dal maestro Alfonso Caiani, si disimpegna assai ben tanto sul piano vocale quanto su quello della recitazione. Questo rigoglio di musica bella e ben eseguita si inserisce all’interno di una messinscena ambiziosa ed originale. Il regista, infatti, noto anche come attore di prosa ed apprezzato baritono, in collaborazione con il dramaturg legge l’intricata vicenda in chiave psicoanalitica, facendo di Simone un disturbato mentale che non è mai riuscito ad elaborare il trauma della morte dell’amatissima Maria. L’elezione a Doge, poi, segue immediatamente la scoperta del cadavere della donna amata, per cui il dramma personale si proietta anche sul destino politico del personaggio; una luce sinistra viene quindi gettata su tutto il futuro di Simone, quello pubblico come quello privato. Questa concezione accantona per forza di cose il realismo e immerge la vicenda in un’atmosfera onirica, nella quale il Prologo è vissuto come un sogno e le vicende successive all’avvelenamento di Simone sono il frutto di un delirio allucinatorio. Di qui anche la scelta di far aggirare per il palcoscenico una bimba di pochi anni ad impersonare la piccola Maria, alla quale Simone si consegna al momento della morte ignorando la figlia adulta che pure lo invoca affranta insieme allo sposo. Nello stesso momento la grande prua di una nave avanza lentamente sul fondo del palcoscenico: con la morte Simone può finalmente salpare verso quella libertà che gli è stata sempre negata in vita. Il tutto trova una collocazione adeguata all’astrattezza della concezione registica all’interno di un contenitore scenico freddo e lineare, consistente in tre pareti nude di cemento che chiudono lo spazio in maniera soffocante, a rappresentare il tunnel psicologico in cui si è infilato Simone privato dell’amore e costretto ad un ruolo politico che ha accettato solo per essere all’altezza del matrimonio con una Fieschi. Sulle pareti sono rappresentate le onde del mare: il destino libero e puro al quale Simone desiderava votarsi ma che gli è stato sottratto dalle circostanze. Unico arredo di scena, come si usava dire una volta, è una lugubre “cappella gotica (forse portale spazio-temporale) ora tomba e ora letto per il doge dormiente”, come spiega il regista. In conclusione, lo spettacolo regge sul piano teatrale ed è ciò che conta, al di là di un’impostazione concettuale che sembra peccare di un eccessivo intellettualismo: il palcoscenico è ben organizzato così come i movimenti dei vari personaggi, caratterizzati con cura nei loro diversi atteggiamenti. I costumi, che variano dalle fogge medievaleggianti a quelle ottocentesche, sono belli e assecondano, così come le luci, una lettura della vicenda tutta interiore e quindi priva di riferimenti temporali precisi. E poi, dopo il Rigoletto reso demente dal senso di colpa e ricoverato in una casa di cura voluto da Damiano Michieletto, ci può stare anche il Simone psicanalizzato visto qui alla Fenice. Solo un appunto, ma non marginale. Questa lettura così disincarnata, affidata non alla realtà ma alle visioni e ai deliri di Simone, sacrifica il lato umano del personaggio, il suo palpitare per la figlia, il suo soffrire per la pace, il suo anelito di riconciliazione e di perdono. Che cosa resta di questi sentimenti se non sono realmente vissuti ma vengono collocati in una dimensione puramente mentale, fra sogno, immaginazione e delirio? Preferisco un Simone che ama veramente ad un Simone che si vede o si immagina amare. Alla fine, però, splendida serata di teatro e di musica quella di martedì 27 gennaio, con il pubblico spinto all’entusiasmo per tutti gli interpreti vocali e per il maestro Palumbo, mentre dall’alto scende una pioggia di volantini a ricordare che sulla Fenice grava un destino oscuro, avviato con l’improvvida nomina di un direttore musicale imposto all’orchestra e aggravato dal progressivo irrigidimento delle parti in causa. Adolfo Andrighetti

Un progetto di massima entro 30 minuti dalla richiesta, grazie ad un proprio server, che “fotografa”, anticipandole, le esigenze del cliente: è questo l’avveniristico obbiettivo (previsto entro Giugno) dell’applicazione dell’Intelligenza Artificiale in Idrobase Group, azienda leader internazionale nelle tecnologie dell’acqua in pressione e che ha presentato i 5 pilastri, su cui sta “reinventandosi”, sviluppando il metodo Lean così come analizzato nella tesi, con cui Federico Masini ha vinto il premio “Valori d’Impresa” di Confindustria Veneto Est. L’IA, che si sta addestrando, sarà presente anche nel nuovo gestionale (Product Information Management), automatizzando la gestione delle richieste dei clienti. Ciò, unitamente all’efficientamento del processo produttivo, permetterà di “liberare” il 30% della forza lavoro da destinare così a ricerca e sviluppo, nonché alla produzione interna di componenti. “Lo scopo della nostra ottimizzazione aziendale non è risparmiare, ma valorizzare il capitale umano, creando le condizioni, anche dal punto di vista logistico ed ambientale, perché possa esprimersi al meglio” precisa Bruno Ferrarese, Contitolare dell’azienda con sede a Borgoricco, in provincia di Padova. Non a caso, infatti, il quarto pilastro, su cui fonda l’Idrobase 3.0, è la forza del team, già oggi protagonista, in azienda, dell’epocale passaggio dalla logica della catena di montaggio a quella del lavoro integrato per oasi produttive. “Sviluppiamo così un approccio dedicato ad ogni singolo prodotto, aumentando la soddisfazione di lavoratori e lavoratrici, migliorandone le performances e riducendone lo stress” evidenzia Bruno Gazzignato, l’altro Contitolare. I primi tangibili risultati riguardano l’innovazione di prodotto con l’ingresso di Idrobase Group nella produzione diretta di pompe (“Dolly Pumps”). “Arrivati ad essere i primi al mondo nei ricambi per idropulitrici, abbiamo deciso di metterci in gioco, creando il cuore delle macchine, riuscendo a garantire la qualità del Made in Italy ad un prezzo competitivo con i concorrenti seriali” aggiunge Bruno Ferrarese. Rinata dopo il disastroso incendio di tre anni fa, l’azienda veneta si conferma così protagonista del cambiamento nel settore delle tecnologie per l’acqua in pressione sui mercati globalizzati.

Questa nuova produzione de “La clemenza di Tito” di Mozart, con la quale si inaugura la stagione lirica e balletto 2025-2026 del Teatro La Fenice per la regia di Paul Curran, le scene e i costumi di Gary McCann, il disegno luci di Fabio Barettin, suggerisce una domanda: qual è il punto di passaggio tra un’impostazione visiva essenziale, sobria, di gusto neoclassico, quindi di per sé adatta a restituire l’atmosfera dell’opera, ed un minimalismo scialbo, poco evocativo, che fatica ad emozionare e alla fine lascia freddi? È un punto di passaggio labile, quasi invisibile, che si può valicare senza accorgersene e con le migliori intenzioni. Dove si collochi l’allestimento visto alla Fenice è questione da lasciare aperta; forse la sua caratteristica è proprio quella di rimanere sul periglioso crinale fra stilizzata eleganza e povertà programmatica, magari sul presupposto che le due visioni possano incontrarsi e coincidere. La vicenda si svolge all’interno di un salone candido di marmi e dalle linee rigorosamente geometriche, ornato da statue e bassorilievi in stile classico. Quel salone, simbolo, nella sua architettura netta ed armoniosa anche se fredda, dell’ordine illuminato voluto da Tito imperatore, cadrà in rovina quando quell’ordine rischierà di sfasciarsi con il tentativo di ribellione culminato con l’incendio del Campidoglio; e si ripresenterà identico a ciò che era all’inizio, quindi immacolato nella sua armonia di linee e di volumi, nel finale, quando il perdono che Tito concede ai traditori ricreerà il còsmos laddove era subentrato il caos. Un’intuizione convincente, che trova adeguata realizzazione teatrale in particolare nella scena dell’incendio del Campidoglio, reso in maniera semplice ed efficace non solo attraverso il gioco delle luci rossastre a richiamare il riverbero del fuoco, ma anche col via vai dei corpi umani inanimati trasportati in scena: un forte effetto teatrale che ben si accompagna all’intensità drammatica della musica. La regia risulta meno convincente, invece, nel dichiarato proposito di coniugare l’antico col contemporaneo per evidenziare il carattere universale delle passioni e dei sentimenti che si agitano in quest’opera. Ecco allora i costumi un po’ pasticciati tra fogge di oggi e altre di epoca non precisata; quelle sciocche e inutili pistole puntate contro Sesto dallo stesso Tito (!) e dai suoi scherani; e Sesto che si presenta in scena alla fine del Primo Atto munito del marchingegno per provocare l’esplosione in Campidoglio, mentre una delle più emozionanti musiche mai composte da Mozart è accompagnata dalla proiezione di numeri giganteschi che scandiscono il conto alla rovescia prima del botto; e soprattutto, a sfiorare il ridicolo, Tito che, all’inizio del Secondo Atto, fa il suo ingresso in scena sdraiato in un letto di ospedale e circondato da macchinari clinici ed infermieri. Ecco, in questi casi si sente la mancanza di una creatività di miglior conio, in grado di evidenziare, con modalità più convincenti e senza mettersi in contrasto aperto con la musica, quanto “La clemenza di Tito” parli all’uomo di oggi. Al netto delle discutibili trovate ora menzionate, tuttavia, la regia anima il palcoscenico in maniera efficace, in particolare lavorando sui solisti in modo che assumano gli atteggiamenti e i movimenti più adatti alle situazioni emotive vissute dai rispettivi personaggi. La parte musicale della proposta che inaugura la stagione può considerarsi di ottimo livello e assolutamente di prestigio in alcuni casi, come quello del maestro concertatore e direttore Ivor Bolton. Questi mette in risalto la vitalità narrativa e l’intensità drammatica che la partitura possiede con una lettura alacre ma non ingessata. Quindi non vengono sacrificate le sublimi oasi liriche, accompagnate con l’attenzione necessaria a evidenziarne l’involo melodico. Quella di Bolton è una lettura che, nella serale di martedì 25 novembre, racconta, emoziona e coinvolge, grazie anche alla collaborazione brillante e puntuale dell’Orchestra del Teatro, in gran forma. Il nucleo drammatico dell’opera, si sa, è costituito dalla coppia Vitellia-Sesto, unita da un rapporto che oggi si definirebbe tossico ma che si presenta di una verità umana sconvolgente, nella quale, una volta depurata dalle esasperazioni melodrammatiche, è difficile non riconoscersi. Sesto, stordito, annichilito dall’amore per Vitellia che lo spinge ad attentare alla vita del suo amico e benefattore Tito e per ciò straziato dal rimorso, è personaggio fra i più complessi ed umani di tutto il melodramma. Ed è risolto in maniera eccellente dal mezzosoprano Cecilia Molinari, che, grazie alla solida impostazione tecnica ed alla preziosa sensibilità di artista, ne coglie tutte le innumerevoli sfumature emotive, per restituirle con una sorprendente varietà e pertinenza di accenti e di dinamiche, attingendo ad una tavolozza di colori pressoché inesauribile. All’artista è stata giustamente tributata un’autentica ovazione al termine dello spettacolo, accomunata nel successo al maestro Ivor Bolton e all’Orchestra. Molto festeggiato, come ormai di felice consuetudine, anche il Coro del Teatro diretto da Alfonso Caiani, coro che in quest’opera svolge un ruolo determinante soprattutto nel finale dei due atti, a creare un clima di solennità e di devozione attorno a Tito e quindi all’ideale di equilibrio e di mitezza da lui incarnato. Il soprano Anastasia Bartoli, a sua volta, ha molte frecce al proprio arco per incarnare un personaggio esasperato ed egocentrico come Vitellia, ossessionata dal desiderio di vendetta nei confronti di Tito ma poi talmente innamorata del potere da trasformare di punto in bianco l’odio in amore: il physique du rôle, prima di tutto, con una bellezza imperativa, aggressiva, perché Vitellia non sarebbe tale se non sprigionasse una carica seduttiva tale da annullare la dirittura morale di Sesto; e poi, in scena, il carisma da vera tragedienne; non ultimo, lo strumento poderoso e ben temprato, in grado di incidere l’alternarsi parossistico dei sentimenti con un fraseggio infuocato e tumultuoso, con accenti brucianti, con le ascese all’acuto imperiose, anche se questa volta meno salde che in altre esecuzioni. Eppure, nell’organizzazione vocale di questa ottima artista sembra rimanere un che di irrisolto, da ravvisarsi forse in un’emissione che appare costruita, quasi artefatta, sempre tesa nella nota, non fluida, non sciolta, non decontratta come pretenderebbe l’armonia del canto mozartiano, che conserva un classico nitore ed equilibrio anche nell’espressione delle emozioni estreme. Alla coppia sopra le righe di Vitellia e Sesto risponde, nel dramma, quella più pacata e composta di Annio e Servilia. Il primo, animato da un nobile sentimento di amicizia verso Sesto, è il giovanissimo controtenore (classe 1999) Nicolò Balducci, che si distingue per il timbro pulito e smaltato, per l’omogeneità di suono nei registri e per una varietà di fraseggio apprezzabile considerata l’ovvia artificiosità dell’emissione. La sua Servilia, sorella di Sesto, affidata al soprano Francesca Aspromonte, rappresenta una piacevole sicurezza e quindi una conferma di quanto già si conosce di questa ottima artista, per la vocalità rotonda, morbida, espressiva e per una grazia innata nel canto e nella figura che si addice alla semplicità e alla pulizia del personaggio. Da rivedere, invece, il Publio dell’altro giovanissimo in palcoscenico, il basso Domenico Apollonio, nato nel 2001, che ha quindi tutto il tempo per maturare la propria personalità artistica e vocale. In mezzo a tutti costoro si muove, con buona padronanza della scena e una studiata disinvoltura, il Tito del tenore Daniel Behle, biancovestito a rappresentare la purezza del suo ideale di vita. L’interpretazione replica un cliché ormai abituale per questo ruolo tanto in teatro quanto in alcune anche prestigiose edizioni discografiche: solida professionalità, preparazione musicale e conseguente corretta esecuzione delle arie, ma strumento fragile e anemico, timbro ingrato, fraseggio monocorde. Di qui la domanda: quando mai si potrà ascoltare nel ruolo di Tito una voce stilisticamente adeguata ed informata, ma anche rotonda, corposa, ricca di armonici, in grado di legare e di variare secondo il miglior stile latino? Adolfo Andrighetti

Di fronte alla crisi mondiale e forte dei confortanti risultati in un continente frequentato da anni, prosegue l’impegno della veneta Idrobase Group (leader internazionale nella produzione di tecnologie per l’utilizzo dell’acqua in pressione) nella costruzione del nuovo obbiettivo imprenditoriale di trasferire parte della produzione dalla Cina (stabilimento di Ningbo) all’Algeria per sviluppare il mercato africano; i tre contratti già firmati con altrettante aziende locali per produzioni su licenza sono in attesa del via operativo da parte delle Autorità algerine: il primo riguarda i componenti per aspirapolveri professionali, mentre il secondo interessa i detergenti per autolavaggi (car wash), hotel e ristoranti (HoReCa); il terzo contratto è finalizzato ai componenti per idropulitrici professionali. Alle tre aziende algerine saranno fornite tecnologie e “know how” da Idrobase Ningbo (Cina) e dalla casa madre italiana, che si riserva il controllo e la verifica sulla produzione. I componenti prodotti in loco saranno assemblati ai pezzi in arrivo dagli altri due stabilimenti della “multinazionale tascabile” italiana, dando vita ai prodotti finiti. “I prodotti realizzati su licenza saranno marchiati con logo Idrobase e venduti in Algeria e sul mercato africano; la casa madre italiana garantirà la promozione del brand, il collegamento fra produttori e mercato, nonché naturalmente il controllo di qualità” precisa Bruno Gazzignato, Contitolare di Idrobase Group. Scelta come “best practise” nel recente “5th Africa Green Growth Forum Ecomondo”, la strategia del gruppo con “headquarter” a Borgoricco nel Padovano è stata protagonista a Rimini in occasione di un workshop per approfondire il ruolo strategico degli investimenti coordinati, pubblici e privati, verso comuni obbiettivi di crescita sostenibile e resilienza climatica nell’ambito del Piano Mattei e del Programma Mission 300; a testimoniare il loro interesse c’erano rappresentanti di Ministero dell'Ambiente e della Sicurezza Energetica, Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale, Confindustria Assafrica & Mediterraneo, Task Force Piano Mattei presso la Presidenza del Consiglio dei Ministri. “Abbiamo scelto l’Algeria, perché è un mercato competitivo ed importante test d’accesso al continente, dove vorremmo esportare il nostro modello di business in collaborazione con imprenditori locali di altri Paesi come, ad esempio, Marocco e Libia. Riteniamo così di offrire opportunità di collaborazione ad economie emergenti secondo una visione, che credo patrimonio del moderno DNA imprenditoriale italiano: considerare gli altri come partner, con i quali costruire un futuro migliore nel reciproco rispetto.”

Ogni ascolto di “Wozzeck” di Alban Berg (libretto dello stesso compositore dalla tragedia di Büchner, prima rappresentazione il 14 dicembre 1925 alla Staatsoper di Berlino) equivale ad una discesa all’inferno, ove la massa dei dannati è rappresentata da un’umanità moralmente deforme e chiusa nel proprio egoismo, avvolta da tenebre che non si aprono ad alcun raggio di luce, ad alcuna prospettiva di speranza. Questo mondo malato si coalizza nel tormentare l’ultima ruota del carro, il povero soldato Wozzeck, che, da agnello sacrificale, alla fine diventa carnefice perché gli sia tolta anche l’aureola dell’innocenza e possa così toccare il fondo dell’abiezione, nella quale i suoi persecutori sono già sprofondati. Non ci sono buoni e cattivi, insomma, in “Wozzeck”, ma solo un’umanità alienata e incosciente, che soffre o fa soffrire. Wozzeck è un poveraccio disposto a tutto pur di tirare a campare con la sua donna, Maria, e il figlioletto: sopporta il moralismo stupidamente paternalistico del Capitano, al quale fa la barba per pochi spiccioli; e si lascia tormentare dal Dottore, che non lo considera un essere umano ma una cavia da esperimenti, sottoponendolo a prove assurde e crudeli. Ciò nonostante il mondo interiore di Wozzeck, pur dando segni di uno squilibrio visionario, regge finché può fondarsi sull’amore di Maria. Quando il soldatino ne scopre l’infedeltà, piomba nella disperazione più cupa. Del resto, che fare se Maria è troppo viva, troppo bella per lui, se il Tamburmaggiore è un macho sciupafemmine, il tipo di uomo che pare fatto apposta per appagare la sensualità di lei? Ancora una volta, e fatalmente, i più forti schiacciano l’indifeso, il quale, prima del suicidio, ha anche la disgrazia estrema di uscire dalla categoria dei buoni uccidendo Maria e dannandosi così insieme ai suoi tormentatori. Sorprende che questa brutale dichiarazione di fallimento del genere umano risalga al lontano 1837, anno in cui morì il tedesco Georg Büchner lasciando incompiuto il lavoro teatrale “Woyzeck”. Büchner si ispirò ad un evento di cronaca nera, ma colpisce che una descrizione così cupa e disperata della disgregazione dell’uomo e della società sia stata concepita in piena temperie romantica, in anticipo sui tempi ed in particolare sulla crisi denunciata dall’esistenzialismo Per il suo “Wozzeck” – il nome fu ricopiato erroneamente dal manoscritto di Büchner e poi rimase come titolo dell’opera – Alban Berg rimase fedele alla fonte letteraria. Di originale c’è solo il finale, che Büchner non aveva ancora risolto: viene lasciato il suicidio del protagonista aggiunto al dramma di Büchner dopo la morte di questi e viene caricata di forza drammatica la presenza del figlioletto di Maria e di Wozzeck. Il bimbo che continua a giocare anche dopo essere stato raggiunto dalla notizia che la madre è stata trovata morta lì vicino, infatti, non ha nulla a che fare con una presunta ed artificiosa vittoria finale dell’innocenza; al contrario, rappresenta il simbolo della noncuranza assoluta, cosmica, verso l’essere umano, irrilevante per definizione, e ciò che può capitargli. Nulla importa, tutto passa, nulla ha un senso: questa sembra essere la desolata morale dell’opera di Berg, una morale tanto più fredda e cruda perché affidata a colui che per definizione non ha colpa, cioè un bimbo. Nell’opera musica e canto costruiscono la drammaturgia insieme al testo letterario e più di questo. Nel “Wozzeck” il tessuto orchestrale costituito di frammenti e segmenti sonori senza legame reciproco se non quello di una apparente ed allucinante casualità, l’abolizione di ogni riferimento tonale, i colori lugubri, inquietanti e laceranti, le sonorità strazianti, livide e sinistre, tutto ciò crea un’atmosfera di angoscia, di precarietà, di estraniazione dalla realtà; un’atmosfera da incubo, insomma. “Wozzeck” ritorna alla Fenice in occasione del centenario della prima rappresentazione e dopo una lunga pausa; l’ultima messinscena a Venezia, infatti, risale al 1992. E vi ritorna, fatto inusuale dato che ormai da tempo e non senza ragione si è affermata la prassi del rispetto della lingua originale, nella versione italiana di Alberto Mantelli, con cui l’opera fece il suo esordio nel nostro Paese. Era il 1942, al Teatro dell’Opera di Roma, con il cavarzerano Tullio Serafin sul podio e il bassanese Tito Gobbi nel ruolo del titolo. Ed è proprio la proposta di un “Wozzeck” in lingua italiana la prima ragione di interesse di questo spettacolo; una proposta, però, che non convince completamente, anche se sostenuta con entusiasmo dal maestro concertatore e direttore Markus Stenz, per la non banale ragione che così lo spettatore (italiano) ha la percezione immediata del significato della parola e della sua valenza drammatica. Ciò nonostante, rimane l’impressione che il crudo, feroce espressionismo tedesco, esaltato dalle sonorità aspre e taglienti di quella lingua, esca ridimensionato, come rimpicciolito, dall’uso dell’italiano, così morbido e rotondo; al punto che, in certi momenti, la potenza cosmica della tragedia sembra ridursi a un dramma della gelosia. Non è così, ovviamente, ma il rischio di scivolare in atmosfere lontane dalla cupa visionarietà del “Wozzeck” originale non è da sottovalutare. Con tutto questo, lo spettacolo funziona. Markus Stenz ha in pugno la partitura e, se in certi passi sembra attenuarne l’allucinata inquietudine che ne promana, in altri, specie quelli solo strumentali, spinge l’orchestra della Fenice a livelli di tensione sonora quasi insostenibile; un’orchestra ammirevole per compattezza e dedizione ad un mondo sonoro tecnicamente difficile, forse sollecitata a dare il massimo dopo lo sciopero che ha fatto saltare la prima. L’iniziativa è stata spiegata in una dichiarazione dei lavoratori del Teatro letta al pubblico, con la quale si sollecitano le dimissioni dalla carica di direttore musicale del maestro Beatrice Venezi per le modalità, invero improprie, con cui la nomina è stata loro imposta. Sono straordinariamente bravi anche tutti gli interpreti vocali, alle prese con lo “sprechstimme” - così lo chiama il maestro Stenz suppongo in luogo del più noto “sprechgesang” - di Berg, stile di canto con il quale si suppone abbiano scarsa dimestichezza, caratterizzato dall’assenza di una linea stabile e definita cui appoggiarsi. Roberto de Candia, certo abituato ad altri repertori, è un Wozzeck pienamente risolto nel suo ruolo di uomo pacifico e sottomesso spinto alla follia da una realtà più folle di lui. L’artista si butta nel cimento con tutta la dedizione possibile e il risultato lo premia. La Maria di Lidia Fridman conferma tutte le doti vocali ed attoriali della giovane artista russa, che sembra puntare alla qualifica di soprano assoluto data la vastità del repertorio che si sta costruendo, ma il cui strumento sontuoso non sembra in questa circostanza sempre a proprio agio con la frantumata vocalità berghiana. Gli altri vanno accomunati in un unico, vasto elogio: dal Capitano nevrotico e sempre teso vocalmente di Leonardo Cortellazzi al Dottore folle ed insinuante di Omar Montanari; dal Tamburmaggiore dell’eccellente Enea Scala, che si vorrebbe ancora un po’ più gradasso in scena, all’Andres sicuro di Paolo Antognetti. E ancora la Margret di Manuela Custer, dalla luminosa carriera ma questa sera un po’ flebile; lo Sciocco di Marcello Nardis, che non sbaglia mai una caratterizzazione; e poi il Primo garzone di Rocco Cavalletti e il Secondo garzone di William Corrò, entrambi bene a fuoco vocalmente e scenicamente. Un elogio a parte lo merita il bimbo di Maria, un solista del Coro dei Piccoli Cantori Veneziani istruiti da Diana D’Alessio, anche questa volta felicemente in scena accanto al Coro del Teatro, sempre da elogiare, diretto da Alfonso Caiani. L’allestimento – regia di Valentino Villa, scene di Massimo Checchetto, costumi di Elena Cicorella, disegno luci di Pasquale Mari, non vuole sorprendere proponendo soluzioni innovative e di facile effetto, ma sceglie la strada di una illustrazione semplice, chiara e suggestiva della vicenda. Gli spettatori ringraziano per una impostazione che li rispetta e si preoccupa di comunicare piuttosto che di stupire. Come spiega il regista, lo spettacolo è ambientato nello stesso anno della composizione di “Wozzeck”, il 1925, ma in Italia, per una coerenza culturale con la lingua che si usa in scena. È opportunamente rispettato il contesto militare, a sottolineare la cieca ottusità di un potere che opprime senza una ragione, per il solo fatto di esistere. E la cornice semplice e quotidiana che fa da sfondo alla tragedia è quella di un paese della provincia italiana negli anni, difficili, tormentati ma non privi di una spontanea vitalità evidenziata dalla regia, fra le due guerre mondiali. Anche la caratterizzazione dei personaggi è costruita secondo criteri per così dire tradizionali ma mai banali e con una accuratezza nella definizione degli atteggiamenti e dei movimenti che mostra la mano di un regista autentico. Fondamentale l’apporto dell’impianto scenico, che consiste in alcuni contenitori aperti verso la platea ove sono ricostruiti gli interni, come la stanza del Capitano, l’ambulatorio del Dottore, l’abitazione di Wozzeck, cui si aggiunge in alcune scene una piccola, miserabile casetta senza finestre – perché quel mondo è chiuso in se stesso senza una prospettiva di aprirsi alla speranza – che è l’abitazione di Wozzeck vista dall’esterno. Sullo sfondo, il profilo, realizzato con metodi diversi ma con esito sempre suggestivo, degli edifici di un centro abitato. Appropriati al contesto i costumi e fondamentale per l’esito dello spettacolo l’apporto delle luci, pronte ad evidenziare con efficacia le diverse atmosfere in piena sintonia con il mondo sonoro evocato da Berg. Alla serale di martedì 21 ottobre più che soddisfacente il successo di pubblico, che subito prima dell’alzata del sipario aveva riservato applausi scroscianti alla lettura della dichiarazione dei lavoratori del teatro della quale si è accennato. Adolfo Andrighetti

Torna giovedì 23 Ottobre prossimo nella Pineta di Sant’Elena, a Venezia, la tradizionale “Coppa Faganelli” di corsa campestre, giunta alla 62° edizione; organizzata dal C.U.S. (Centro Universitario Sportivo) lagunare, la manifestazione è inserita nel palinsesto “Le Città in Festa”: la manifestazione, infatti, conta sulla collaborazione di Comune, F.I.D.A.L. (Federazione Italiana Di Atletica Leggera) provinciale e Gruppo Giudici Gare. La corsa si svolgerà nella mattinata con inizio alle ore 9.45 circa ed è riservata alle scuole medie della Città Metropolitana di Venezia. Le gare sono divise in tre categorie maschili ed altrettante femminili sulle seguenti distanze: m.1000 (nati/e nel 2014); m.1500 (nati nel 2013; nate nel 2012 e 2013); m. 2000 (nati nel 2012). Quasi 450 gli studenti e le studentesse iscritti, appartenenti a 14 istituti scolastici: Convitto Marco Foscarini di Venezia; Istituto Comprensivo (I.C.) F.Morosini di Venezia; I.C. F. Morosini plesso San Provolo di Venezia; I.C. Berna di Mestre; I.C. Alpi – Gramsci - G.Volpi di Favaro Veneto; I.C. Baseggio plesso G.Strada di Malcontenta; I.C. Baseggio plesso U.Foscolo di Marghera; Istituto Cavanis di Venezia; I.C. F. Grimani - Einaudi di Marghera; I.C. F. Ongaro plesso V. Pisani del Lido di Venezia; I.C. F.Ongaro plesso P.Loredan di Pellestrina Venezia; I.C. Dante Alighieri di Venezia; I.C. Dante Alighieri di Salzano; I.C. San Girolamo di Venezia. Per ogni categoria, i primi tre classificati saranno premiati con una medaglia (oro – argento – bronzo), mentre dal 4° al 10° arrivato riceveranno una medaglietta di bronzo. Sulla base del punteggio saranno stilate le classifiche per istituto per i settori maschile, femminile ed assoluto, cui verrà assegnata la Coppa Faganelli 2025. L’edizione 2024 della manifestazione sportiva fu vinta dal plesso Pisani dell’Istituto Comprensivo Ongaro del Lido davanti al plesso Priuli dell’IC Francesco Morosini ed all’ICP Berna di Mestre.

Un anno e mezzo fa avevano annunciato la trasformazione ecologica del packaging aziendale, grazie ad ingegnose soluzioni come “dBase”, un innovativo tubo in cartone a lunghezza variabile, chiuso da un nastrino in carta riciclabile così come l’etichetta; per questo, oggi possono annunciare di avere risparmiato, in un anno, 1.500.000 confezioni di plastica, che diverranno 2 milioni nel 2026: il tutto accade nell’head quarter di Idrobase Group, azienda padovana, leader internazionale nell’utilizzo delle tecnologie dell’acqua in pressione. Ad oggi, ma il dato è in crescita, ogni cittadino comunitario smaltisce annualmente circa 36 chilogrammi di imballi in plastica, di cui solo il 40% viene riciclato; tale processo, infatti, presenta non poche criticità, perché la plastica riciclata non torna materia prima, ma per essere utilizzabile deve essere miscelata con una significativa percentuale di plastica nuova, prodotta da idrocarburi. “Ognuno deve fare la propria parte per il benessere del Pianeta – dichiara il contitolare, Bruno Gazzignato - Noi lo facciamo anche riducendo il numero degli imballaggi destinati ad accogliere pezzi e minuterie di ricambio: fatti in cartone riciclabile, i nuovi contenitori sono prodotti a chilometri zero, valorizzando il tessuto produttivo locale.” Ma non è questo l’unico traguardo raggiunto dal gruppo veneto: a Borgoricco, sede centrale della “multinazionale tascabile”, è stata infatti annunciata la nascita di Idrobase Grecia per la distribuzione degli impianti di nebulizzazione ed abbattimento delle polveri. “E’ un mercato vergine – commenta Bruno Ferrarese, l’altro contitolare di Idrobase Group – Uscita dalla terribile crisi di qualche anno fa, la Grecia ha notevoli margini di crescita. E’ un’importante scommessa di fronte alla crisi mondiale del mercato del nostro settore, caratterizzata da una sovraproduzione stimabile nel 50%, causa di crollo nei prezzi e nella qualità dei prodotti. In questo quadro bisogna posizionarsi velocemente con prodotti innovativi, gli unici in crescita nel volume d’affari.” Per questo, dalla fine dell’estate, la dinamica realtà imprenditoriale, la cui metodologia produttiva è in trasformazione grazie al metodo Lean, è già stata presente ad appuntamenti fieristici in Algeria, Germania, U.S.A., Romania; la vera sfida però è all’orizzonte. “Dal 22 al 24 Ottobre parteciperemo al salone Interclean di Shanghai, cioè affronteremo i principali competitors a casa loro – annuncia Ferrarese - In quella occasione presenteremo nuovi prodotti, frutto del made in Italy. Sarà un test probante per la risposta del mercato, che si troverà di fronte un’autentica sorpresa: la definiamo un’ostrica con la perla dentro ed in Italia sarà disponibile dalla prossima edizione di Ecomondo.”

Dopo il successo del concerto vivaldiano d’apertura torna a Cavallino Treporti il Festival delle Due Città, che proporrà (domani) sabato 20 Settembre (piazza SS. Trinità, ore 17.00) lo spettacolo di “flamenco y baile” del Mediterranea Group, che porterà sul palco l’energia musicale della Spagna con danza (Laura Guerra), chitarra (Andrea Candeli), percussioni (Corrado Ponchiroli) e flauto (Michele Serafini). Si tratta di un ensemble d’eccellenza, che trasporterà il pubblico in un viaggio emozionale alla scoperta delle radici profonde della tradizione musicale iberica. Lo spettacolo è un omaggio alla cultura gitana e al mondo evocativo di Federico García Lorca con le figure mitiche del gitano e del torero, che prendono vita tra virtuosismi musicali e la potenza espressiva del ballo; la passione del flamenco si intreccia con la raffinatezza della chitarra classica, creando un ponte fra tradizione ed innovazione musicali. Lo spettacolo, promosso dall’Amministrazione Comunale, è gratuito.

Sperimentazione e passione sono state le parole ricorrenti alla presentazione della 25° edizione del Festival delle Due Città, tenutasi a Treviso, nella sede municipale di Ca’ Sugana, presenti, insieme all’imprenditore, Bruno Ferrarese (main sponsor con il marchio Idrobase), l’Assessore alla Cultura del capoluogo della Marca, Maria Teresa De Gregorio ed il suo omologo di Cavallino Treporti, Alberto Ballarin, collegato da remoto. Infatti, come ha ricordato il Direttore Artistico, Andrea Vettoretti, per il secondo anno il Festival partirà dal litorale veneziano, raddoppiando, per altro, la proposta al pubblico: si inizierà domenica 14 Settembre alla Batteria Vettor Pisani con il Quartetto Veneziano ne “La Follia del Prete Rosso”, cui seguirà, sabato 20 Settembre, lo spettacolo “Mediterraneo” di flamenco y baile con il Mediterranea Group, in piazza SS. Trinità. Il cartellone a Treviso inizierà, venerdì 26 Settembre con lo spettacolo “Storie in un bicchiere. Vita ed opere di Ernest Hemingway”, scrittura scenica per voci recitanti, sassofoni, chitarre e percussioni di Bruno Lovadina, che cura anche la regia. Ad ospitare tale novità, così come gli altri spettacoli trevigiani, sarà l’auditorium Santa Caterina dove, sabato 27 Settembre, si esibiranno Maurizio Mastrini al pianoforte e Sandro Lazzeri alla chitarra nella performance “Ghost”. Domenica 28 Settembre tornerà la proposta del doppio concerto: sul palcoscenico saliranno il chitarrista Giovanni Seneca (“Tracce: viaggio musicale tra colto e popolare”) ed il duo Acustica Latina (“Ritmi e passioni tra Argentina e Brasile”). Venerdì 10 Ottobre, il Festival delle Due Città approderà all’auditorium Candiani di Mestre con il chitarrista spagnolo Javier Garcia Moreno (“Andalucia”), cui seguirà, sabato 11 Ottobre il doppio concerto con il chitarrista Tom Kerstens ed il duo Brillante, chitarra e mandolino. Anche quest’anno sarà la prestigiosa Sala Apollinea del Gran Teatro La Fenice di Venezia ad ospitare la tappa finale del Festival delle Due Città: domenica 19 Ottobre salirà sul palco il chitarrista e Direttore Artistico della manifestazione, Andrea Vettoretti, che presenterà, in prima nazionale, il suo, più recente progetto musicale: “The Breath of Water”. “Due le novità dell’edizione 2025 del Festival delle Due Città, acclarato punto di riferimento internazionale per il genere musicale “New Classical World”: l’apertura ad altri strumenti, da cui derival sottotitolo “Guitar & Friends” e la Young Artist Platform quando, nel weekend del Festival a Treviso, le piazze si trasformeranno in palcoscenici a cielo aperto, dove talentuosi, giovani chitarristi dei conservatori avranno la possibilità di esibirsi in concerti all’aperto, offrendo gratuitamente anche piccole lezioni di chitarra a curiosi ed appassionati” ha infine annunciato Alice Guidolin, Presidente dell’associazione Musikrooms, organizzatrice del Festival e che ha concluso, ricordando come nel corso degli anni il Festival abbia fidelizzato il proprio pubblico, potendo vantare anche significative presenze straniere.

Vivranno un’esperienza di benessere, grazie alla tecnologia “Clean Breathing” dell’italiana Idrobase Group, gli ospiti presenti a La Terrazza by Atlas Concorde nell’iconico Hotel Excelsior e spazio riservato a interviste, conferenze stampa, incontri, cocktail party durante la prossima Mostra del Cinema al Lido di Venezia. Sarà, infatti, l’impresa veneta a fornire gli originali complementi d’arredo, che illumineranno e rinfrescheranno l’area, di cui è titolare l’agenzia Joydis, senza bagnare persone ed oggetti, ma neutralizzando polveri e odori, nonché allontanando i fastidiosi insetti. Grazie al sistema ideato dall’azienda di Borgoricco nel Padovano, la finissima nebulizzazione dell’acqua verrà depurata prima dell’emissione: la fonte idrica sarà sottoposta ai raggi di uno sterilizzatore con lunghezza d’onda tale da distruggere i legami molecolari del DNA dei microorganismi dannosi, rendendoli innocui e bloccandone la riproduzione. “Siamo orgogliosi di rappresentare il made in Italy in un’occasione così prestigiosa, dimostrando ad una platea mondiale l’efficienza di una tecnologia capace di garantire un benessere completo, grazie al nostro obbiettivo aziendale del respirare aria sana” commenta Bruno Ferrarese, Contitolare di Idrobase Group, partner tecnico de La Terrazza by Atlas Concorde, durante la 82ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Idrobase Group, leader internazionale nell’utilizzo delle tecnologie dell’acqua in pressione, ha la sede centrale in Italia (una cinquantina di dipendenti) ed un’unità produttiva in Cina (Idrobase Ningbo con una trentina di lavoratori e lavoratrici). Insieme ad una profonda riorganizzazione del ciclo produttivo, applicando la metodologia Lean, Idrobase Group sta percorrendo nuove strategie globali che, accanto ai mercati tradizionali (già presente in 92 Paesi) ed a quello statunitense, privilegerà le produzioni su licenza con partner africani, ad iniziare dall’Algeria. Con un fatturato 2024 sui 15 milioni di euro, la “multinazionale tascabile” ha segnato +4% nel primo semestre di quest’anno, nonostante la difficile congiuntura mondiale e la conclamata crisi del settore “cleaning”.

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“A vedere la risposta dei mercati e la preoccupata reazione dei concorrenti possiamo dire che siamo sulla strada giusta”: ad affermarlo è Bruno Ferrarese, Contitolare di Idrobase Group, l’azienda veneta che, già leader mondiale nella componentistica per idropulitrici (Dolly Spare Parts), ha deciso di entrare con una propria linea nel mercato internazionale delle pompe, brevettando il modello “Dolly Pump”, che sarà la forza motrice dei prodotti aziendali. “Abbiamo così costruito un modello produttivo, unico nel settore delle idropulitrici e moduli misting, difficilmente replicabile e che ci consente di controllare l’intero ciclo di vita della pompa: riparazione, sostituzione, rinnovo – aggiunge l’imprenditore veneto – Non è solo una strategia di prodotto e sul prezzo, ma è una soluzione integrata, che fornisce anche un vantaggio in termini di garanzia del prodotto e qualità del servizio.” Già oggi, infatti, i 550 distributori Idrobase riparano, tramite esperti professionisti, le pompe di oltre 20 grandi marchi mondiali. “A permettere tale cambio di strategia – precisa l’altro Contitolare, Bruno Gazzignato - è stata la trasformazione dei processi lavorativi secondo la metodologia Lean che, liberando risorse umane, ha garantito l’avvio di una nuova linea produttiva nell’head quarter di Borgoricco nel Padovano.” Sono nati così i 4 modelli di pompe Idro, caratterizzati dal colore amaranto, nonchè dalla marchiatura Idrobase anti contraffazione su ogni singolo pezzo (addirittura incavata nella carrozzeria), ma soprattutto dalla qualità del “made in Italy” ad un prezzo inferiore a quello dei grandi competitors internazionali e capace di fare concorrenza perfino ai prodotti cinesi. Contestualmente Idrobase Group continua a perseguire l’obbiettivo logistico di trasferire parte della produzione dalla Cina (stabilimento di Ningbo) all’Algeria. “Abbiamo scelto quello Stato africano, perché è un mercato competitivo e per questo porta d’accesso al Continente, dove vorremmo esportare il nostro modello di business in collaborazione con imprenditori locali di altri Paesi – conclude Bruno Ferrarese - Lo ritengo una lungimirante visione del moderno DNA imprenditoriale italiano: considerare gli altri come partner, con i quali costruire un futuro migliore nel reciproco rispetto.”

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